Quando começou a fazer Submarino (idem, 2010), adaptação da novela homônima de Jonas T. Bengtsson, Vinterberg teve pela sua frente uma interessante condição da TV2: que metade do elenco e de sua equipe técnica fossem de profissionais novatos na área. Por conseqüência disso, segundo o diretor, o filme foi feito com uma dedicação e entrega que o mesmo não sentia desde os tempos de Festa de Família (Festen, 1998) e seus antecessores.

Mas, longe tanto de produções maiores quanto das provocações estéticas do Dogma 95, Submarino é um pesado e brutal drama social que aponta a câmera para o fundo da vida em sociedade na Dinamarca. Porém, não há muita semelhança com dois dos grandes nomes do “cinema social” europeu das últimas décadas, os britânicos Ken Loach e Mike Leigh. Quem procurar alguma semelhança devido à semelhança temática, não encontrará nenhum drama tradicional que defende a classe operária com paixão (caso de Loach) ou o trabalho intenso de desmontar a vida cotidiana, como Leigh faz em Nu (Naked, 1993) e Segredos e Mentiras (Secrets & Lies, 1996). Pelo contrário.

Se o filme de Vinterberg é o Submarino, sua câmera é o periscópio, investigando deprimentes e curiosas formas de vida, centrando suas atenções na vida de dois irmãos que, marcados pela tragédia familiar que toma lugar em suas vidas quando ainda não passam de crianças, acabam crescendo para terem suas passagens marcadas, indelevelmente, por vício e violência.

É interessante denotar que o diretor jamais é “determinista”, sempre jogando o próximo acontecimento, inteiramente, em cima das ações dos seus personagens. Personagens esse que jamais se apressa em julgar. Antes, está curioso por compreendê-los – e sua abordagem é extremamente humana. Não há panfleto ou descortinamento algum aqui. Há a observação funda no íntimo, nos momentos pequenos e patéticos das vidas miseráveis que são obrigadas a todo o momento a conviver com tristeza e tragédia. Com sua encenação, estamos sempre perto demais, não há portas que barrem nossa curiosidade – estamos próximos até nos momentos mais dolorosos.

Longe de defender alguma bandeira, a cinematografia quase monocromática – forte e quase sempre delineada em tons muito claros ou muito escuros, apenas coloca no seu foco as faces marcadas e cicatrizadas interpretadas por ilustres desconhecidos para trazer à nossa lembrança e aos nossos olhos aqueles que normalmente não tem muito espaço ou voz suficiente para conseguirem se expressar.

Em ritmo lento, que só deixa os acontecimentos para momentos chaves do desenrolar da trama e concentra grande parte da sua força dramatúrgica no nada vivenciado por essas pessoas, Vinterberg construiu no final das contas uma tocante observação social, transformando o sussurro dos miseráveis em um canto incisivo e poderoso.

Uma obra de tom declaradamente underground que não tem vergonha de tratar do que é baixo e trágico de forma fluida e espontânea, e que justamente por isso não terá o público que merecia. Mas quem aceitar afundar junto na história trágica dessa família dinamarquesa, terá muito a observar e simpatizar, odiar e compadecer. Afinal, esse é o poder do cinema de Vinterberg desde os áureos tempos – nos deixar a centímetros do que é filmado, para que só então a transcendência que seu cinema direto na veia ambiciona aconteça – transformar a farsa em espelho para, lentamente, expandir a consciência do espectador sobre os pequenos dramas, tragédias e particularidades, dá-los relevância e transformá-los em narrativa e espaço de pessoas, situações, lugares, símbolos e idéias. Para que só então, de temas e histórias tão pesadas, se possa ter algum tipo de redenção e de sobrepujamento sobre as adversidades. Vivos depois de tudo, como atesta a cena final.